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最好的，我个人认为“最好”这个词最好换成最重要，或者是最有影响力因为根据每个人的鉴赏水平与理解，欣赏能力的不同，答案会各有千秋本人认为影响力排名：1 巴赫2 贝多芬3 瓦格纳4 肖邦5 柴可夫斯基（与拉赫马尼诺夫）6 普罗科菲耶夫7 斯科里亚宾8 李斯特9 卡拉扬（将这名伟大的指挥大师放进来是有我的看法的）10 梅西安
阳光小队",
☞十分详细的参考资料
罗伯特·舒曼（1810－1856）德国着名作曲家、音乐评论家。他出生于德国茨维 考城书商的家庭，从小喜爱音乐和文学。因家庭偏见，他年青时在大学学习法律，只能业 余学习音乐。当他通过曲折的斗争而能够专攻音乐时，因急于求成，借机械装置锻炼钢 琴指法，使手指受伤，失去成为钢琴演奏家的可能，他遂致力于音乐创作与音乐评论。 舒曼生性感情敏感，并且有民主主义思想。1834年他创办了《新音乐杂志》,对改变当时 陈腐的音乐空气，促进浪漫艺术的发展，起了重要的作用。他关心和支持尚未为人所知 的音乐家，如：肖邦、柏辽兹、李斯特、勃拉姆斯、瓦格纳等。1838年由于维也纳反动当局 发现了他介绍舒怕特的《C大调交响曲》，迫使他无法工作，他遂于1839年回莱比锡，1840年与当时有名的钢琴家克拉拉结婚。1843年他在莱比锡音乐学院任教，1856年因患 精神病逝世----舒曼的代表作有：钢琴曲《蝴蝶》、《狂欢节》、《交响练习曲》、《幻想曲集》等，这些乐曲促进了浪漫主义音乐风格的发展。1840年写了138首歌曲，被称为“歌曲文萃”， 还写了四部交响曲，及《a小调钢琴协秦曲》、《曼弗雷德序曲》等。
国外的著名音乐家乐之父——巴赫(德国)音乐神童——莫扎特(德国)古今乐圣——贝多芬(德国)歌曲之王——舒伯特(德国)音乐神灵——韩德尔(德国)指挥之王——卡拉杨(德国)歌剧之王——威尔弟(意大利)音乐之王——斯卡拉蒂(意大利)小提琴之王——帕格尼尼(意大利)进行曲之王——苏萨(美国)流行歌曲之王——福斯特(英国)园舞曲之父一一老约翰·施特劳斯(奥地利)圆舞曲之王——小约翰·施特劳斯(奥地利)交响曲之王——海顿(奥地利)交响乐诗人——柏辽兹(法国)印象派大师——德彪西(法国)轻歌剧之王——奥芬巴赫(法国)管弦乐色彩大师——拉威尔(法国)钢琴诗人——肖邦(波兰)钢琴之王——李斯特(匈牙利)舞剧音乐大师——柴科夫斯基(俄国)中国音乐家伯牙：春秋时代的琴师。《荀子·劝学》有“伯牙鼓琴，而六马仰秣”之说，可见他的琴艺之高超。相传代表作品有《水仙操》、《高山流水》。师旷：春秋时期晋国的乐师。双目失明，但他的听觉敏锐，辨别音律十分准确。他的代表作品有《白雪》、《玄默》。李延年：汉代宫廷音乐家。曾担任乐府的协律都尉。他的代表作品有根据张骞从西域带回的《摩柯兜勒》，制作了28首新曲调，作为仪仗使用的军乐。嵇康：三国时期魏末琴家、文学家、思想家。他学识渊博，善写诗赋文论，热爱音乐，擅长弹琴，以弹奏《广陵散》著称。他的代表作品有《声无哀乐论》和《琴赋》，对音乐和琴的奏法及表现力，作了细致而生动的描写。苏低婆：南北朝时宫廷音乐家。她善弹胡琵琶，家传龟兹乐调“五旦七声”宫调体系。其音乐理论，有力地促进了我国古代宫调体系的建立和发展。万宝常：隋代音乐家，善弹多种乐器。他的代表作品有《乐谱》。李隆基：唐代音乐家，他也是我国古代第一位皇帝音乐家。他擅长演奏羯鼓和横笛，创作改编了《夜半乐》、《小破阵乐》、《霓裳羽衣曲》等。建立了唐代音乐机构教坊、梨园。李龟年：唐代乐师，他演奏的吹管乐器筚篥技艺高超，很多诗人都听过他的演奏，并且写下了许多脍炙人口的诗句。姜夔：宋代音乐家、词人，别号白石道人，世称姜白石。代表作品有《扬州慢》、《凄凉犯》、《白石道人歌曲》等。朱载育：明代乐律学家。著有《乐律全书》、《律吕正论》、《律吕质疑辨惑》等书。《乐律全书》总结了前人的乐律理论，并加以发展，首创了“新法密率”的理论外加冼星海李德伦吴祖强吕远施光南
弗雷德里克·肖邦Chopin,Fryderyk（1810年生于热拉佐瓦沃拉；1849年卒于巴黎）。波兰作曲家、钢琴家（父为法国人，母为波兰人）。1816年开始从瑞典夫内(Zywny)学习钢琴，1818年在华沙演奏吉罗维茨(Gyrowetz)的协奏曲，此时他在贵族沙龙中备受欢迎。1822年起从华沙音乐院院长约瑟夫·埃尔斯纳(JozefElsner)学习和声与对位。1825年出版C小调《回旋曲》(Rondo)，虽标为O1，但并非他的第一部作品。翌年进华沙音乐院为正式生，1829年离校。学习期间，作《克拉科维亚克》(Krakowiak)回旋曲。1929年作F小调协奏曲，在维也纳举行两次音乐会。1830年3月在华沙演出这首协奏曲两次，同年较晚些时候，演出E小调协奏曲。1830年后期离开家乡，经德累斯顿和布拉格去维也纳，一路举行许多音乐会。在斯图加特得悉俄军攻占华沙的消息，1831年9月抵巴黎，成为贵族门庭的钢琴教师，逐渐放弃公开演出生涯，潜心作曲。1832年2月在巴黎举行第一次音乐会，之后一直到1841年他从来不是音乐会中的主要演奏家--终其一生只举行了30次公开的演奏。与当时大多数杰出音乐家交游。舒曼在一篇以弗洛雷斯坦和尤塞比乌斯之间的讨论形式发表的文章中赞扬《<把手给我>变奏曲》(Lacidaremvariations)O2，说道：“先生们，脱帽敬礼吧！出现一位新的天才！”1836年，肖邦与法国小说作家乔治·桑相识，1838-47年和她同居。1836年起日后使他丧生的肺结核的症兆开始出现，此后一直痨病缠身。与乔治·桑感情破裂后，1848年3月在鲁昂演奏了他的E小调钢琴协调曲，但革命后因手头拮据而离法前往伦敦。在曼彻斯特、格拉斯哥、爱丁堡和伦敦巡回演出，返巴黎后于1849年10月去世。肖邦的钢琴音乐虽然被加上浪漫色彩的故事和别名，作曲家本人却坚持这些作品纯属音乐，因此所取曲名都比较严谨，只表示作品的曲式，从不像舒曼和李斯特的曲名那样绚丽多彩。肖邦自己的演奏既有力，而且节奏微妙，触键匀称惊人。他从约翰·菲尔德(JohnField)那里取用“夜曲”(nocturne)一称后，用富于想象的合声和别具一格的旋律加以改造，如他改造任何经手的东西一样。他的音乐中有大胆而创新的段落，有得自他对意大利歌剧的爱好的装饰音，在玛祖卡和波洛奈兹这类波兰乐曲中有一种纯朴的激情，威力无比。维多利亚时代把肖邦视为拖着痨病之身在键盘上说唱叙事歌曲的客厅音乐家，这种概念完全是末流钢琴家所制造出来的，久已被揭穿为不真实的假相，使听众不见那真正的、诗意的、英雄气概的肖邦的真面貌。
就是我有一组全是鸟儿的照片，我想点一首歌唱鸟儿纯音乐，古筝曲也行
汶麟（子曰乐队）、夏炎（郑钧乐队）、陈磊（唐朝乐队）、克尔曼（古典吉他）本人暂时想出这些，据本人了解上述这几位都是吉他手，也有歌手身份，剩下的我想出来再添加，有能知道的朋友也帮忙添加。
当前，我国财会理论界十分活跃，广大从事会计务实的财会人员都纷纷投入到理论研究中，写出了大量学术论文，令人可喜可贺。但另方面，我们必须清醒认识到，在数量繁多的背后，存在着人云亦云的重复。其具有新颖性的文章并不多。笔者结合长期的理论研究与财会教学工作实践，就如何增强财会论文的创新性进行探讨，与诸位同仁共勉。 1、理论上的创新 科学发展的事实表明，任何一门学科只有在理论上有所创新，其学术水平才能相应得到提高，会计学的发展同样需要学术水平的提高，所谓理论上的创新就是强调要增强会计论文的学术价值，从观当前各种学术期刊和杂志上所发表的众多财会论文，不难发现。绝大多数财会人员都偏重于研究会计制度、会计地位及会计信息的真实性问题，这些研究固然也重要，但会计学作为一门独立的学科，必须从适应社会环境和促进经济发展等方面进行研究，把会计务实与时代发展对财会要求及会计学本身理论体系结合起来，提出新的观点和方法，并把已有的理论系统化、完善化[1]。 理论上的创新需要掌握理论思维方法，提高理论思维能力，所谓理论思维，是财会工作者应用理论与智力对财会学的现状和发展进行科学化分析后，得出一个理性结论。这个结论必须对财会实践起到启迪与指导作用，绝非是简单使用一些新概念和换一种新提法，如当前财会理论界提出了许多新领域、新名词，如网络会计、管理会计、人力资源会计等等。但在论述过程中，缺少应用实际的证明论据，往往是一个新观念出现后，都跟着阐述。虽然语言表达有所区别，但内容上却不同小异，且空洞无物，我们说，一篇有价值的学术论文，首先在于提出一个新论点，但在论述这一观点上必须有新思维，而不是应用、解释一点新名词，更何况新名词应用多就不“新”了。结果理论研究还是浅尝辄止。
音乐鉴赏论文 内容提要：这篇文章对音乐鉴赏的内容和特点以及它对学生身心素质和欣赏品位的提高做了比较全面的论述。从音乐的发展到流行音乐的盛行，乐器的不同介绍，著名音乐家和著名音乐曲子的介绍等等不同的方面对音乐鉴赏的必要性和对大学生素质提高的 重要性做介绍。认识到音乐鉴赏是一个人所必需的素质。 关键词：音乐鉴赏 发展 品位提升 我一直觉得音乐的世界是一种虚拟中的征服，它用不同的方式征服着不同种类的人的心情。再普通的人，不管他的知识层面如何，不管他的地域文化所带来的差异如何，他都具有一样与生俱来的能力，那就是音乐鉴赏的能力。音乐对于喜欢他的人来说只限于欣赏的品位和能力。对他的了解并不仅仅限于听上，要从各方全面了解。具有良好的音乐鉴赏能力对情感的培养和素养的提升都有很大的帮助，所谓“阳春白雪和下里巴人”不是轻而易举就能分辨出来的。 音乐是由情而发，纵贯历史，横看中西，文明的发展中总有音乐这个重要的角色去推动着，从远古的诗经的朴素到唐诗宋词的华丽和缠绵但元曲的现实和丰富，它们不仅见证着中国文学的巨大发展，加之中国传统古典乐器就成为中国古典音乐的繁荣发展史，我们不禁赞叹：古人用他们特有的智慧让我们后代人体会到了穿越历史时空的民族风格，地域风格和时代风格。“高山流水”“阳春白雪”的传世经典，一直到后来的民族音乐的盛行，中国几千年的音乐风格在经久不衰地传递着华夏民族最具特色的东方文化。 西方传统音乐以神秘浪漫为主，很多宗教思想的写照，钢琴的加盟使它越来越具抒情、浪漫、自然风格。经过中世纪时期、艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期，西方音乐的发展越来越成熟，越来越丰富。与中国古典音乐的空灵与返古相比，它所具有的浪漫是空前的。随着时代的发展，西方音乐越来越注重乐器的协奏和声调的组合，正如中西方意识形态一样，中西方音乐也呈现出它们截然不同但又各具韵味的时代和地域特色。历史的车轮转动着，承载着人类文明的不断发展，中西文化的不断交融，使音乐的风格也各自出现了变化。19世纪以来，西方音乐进入了一个新时期，经济的发展是音乐的大众化变的越来越深刻，流行音乐开始蔓延至全世界，华尔兹、波尔卡、探戈舞、布鲁斯、爵士音乐、摇滚等等，直到现在的通俗音乐，他给人的是自由的呼吸和心灵完美的感应，越来越多的流行音乐成为人们精神的港湾，它不是贵族化的奢侈而是平民化的消费，能被各种类型的人接受，成为世界范围的大众文化盛宴。处在这个时代，我们所拥有的不仅是对民族历史要了解多少，要全面发展自己，提高自己的人文素养还要对一定的音乐鉴赏能力。这就要求对音乐发展历史的了解，音乐鉴赏能力最为重要的一方面就是要对其背景的深刻理解。它不仅让我们在民族文化和不同的精神氛围下感受来自各方的熏陶，还让人对各个地域的人文、物质、感情、活动有更深一步的了解。能通过音乐这面镜子照射出更广阔的大千世界。正如要实践就要有一定的理论基础，音乐鉴赏不仅仅是会感受几首曲子听几首歌曲的事情，它是一门学问，需要从最基础的历史文化问题着手，这是音乐鉴赏最重要的一个环节，也是我们必须具备的，人人都会听歌，但又有几个人能听出其中的门道呢？ 音乐的发展使它越来越离不开乐器的发展，要有良好的音乐鉴赏能力离不开对乐器的全面的了解。在音乐这个庞大的家族里，乐器以它不可替代的地位张显着包罗万象的王者风范。中国传统乐器中最早的吹奏乐器有骨笛、骨哨等，接着的埙的发展以及管、萧、笙的发展，让古典音乐的发展更加丰富多彩。此外还有击奏乐器也极为常见，如罄、鼓。总之，时代的发展，乐器也是 一个最好的见证者。中国如此，西方更是如是。竖琴、钢琴、提琴、萨克斯、号、吉他等等，以其浪漫的声音张显着西方浪漫音乐风格。无论是埙、琴、古筝或是萧，它们所表现的是独特的中国古典文化，东方的神秘，像一个个全身散发着佳人内蕴的羞涩沉默的含羞带涩的美人。它们所给的是知己间的默契。而西方的钢琴、提琴等所散发出来的是无限的浪漫和遐想，听着那些流淌出来的声音仿佛是银色月光下的窃窃私语的情人。它们所带来的是法国葡萄酒的醇香，梧桐树的静谧，荷兰郁金香的雅致，丹麦人鱼的期望。再美的词与声音如果没有乐器的陪伴是无法打动人的听觉器官的，就像红花总要有绿叶来陪的。当然有些乐器本来就能演奏出最打动人心的音乐。古筝的《梅花三弄》、《平沙落雁》，钢琴的《命运交响曲》。乐器欣赏本身就是一门音乐欣赏，如果用乐器来代表音乐这是不为过的。在不同的乐器奏乐中我们在寻找着属于它本身所具有的那份真谛。音乐鉴赏能力的重要体现就在对不同乐器以及它所体现的思想的诠释有这深刻的体会。 音乐的本身就在于人对它的创作，它是一个客体，之所以蕴涵着独特的情感是因为人们赋予它自己的情素，伤感、快乐，一切的一切，通过人的主观的发泄并表现才有了音乐的精神灵魂所在。所以就产生了许多的著名音乐家和其创作的作品。中国的俞伯牙，西方的莫扎特，肖邦、德沃夏克、许茨等等。俞伯牙的《高山流水》是知己间的交流，师旷的《阳春白雪》，华彦钧的《二泉印月》、莫扎特的《费加罗的婚礼》，肖邦的〈革命练习曲〉等等，这些著名的作曲家和这些著名的作品无不时时刻刻向世界展示着他们的风采。音乐鉴赏能力的提高也要从这些方面培养，它们对于我们审美能力、感性思维、认知能力、判断能力、人文素养以及品位的提升都有帮助。我们不仅从中认识到文化的丰富，也无形中使感情受启发，可算是一种人文关怀了。音乐鉴赏能力的最终要从这些作品中得到提高。 现代美育提倡有机的把知识性、审美性、趣味性和道德性融合起来，良好的音乐鉴赏能力有助于我们做到这一点，它能让我们全面掌握知识、开启智慧、陶冶心灵、培养高尚人格。如：更好的理解〈欢乐颂〉能使人在轻松中寻找快乐的感觉；〈月光曲〉让人感到静谧的夜晚；革命歌曲给人战斗的力量。当今时代的特点使流行音乐成为了一种大众文化，爵士乐、摇滚、通俗以及最具代表的周杰伦风格的歌曲渗透着每一个角落，具有良好的鉴赏能力使我们能够在文化及其丰富的时代拥有评判好坏优劣的能力，能让我们去其糟粕取其精华，使个人修养得以提升。音乐鉴赏是一个人最基础的审美能力，无论是对学习还是对工作都需要我们去培养和提升。
贝多芬
瓦格纳
虽然没机会选入最佳答案但还是说两个吧；梦中的婚礼，秋日的私语，爱的纪念
巴赫，贝多芬，肖邦，拉赫玛尼诺夫亨德尔，罗西尼，威尔第，柴可夫斯基德彪西，莫扎特
音乐永远是民族文化中的那唯美的一面，在乐器的缓缓鸣奏中，表达的是作者的情感，无形之中乐曲的深处流淌着的是民族文化血脉深处的精髓。。。每每听着古典音乐的响起，那种悠扬，那种独特的中国风，心灵深处的有着不一样的触动，虽然听不出《高山流水》的知音难觅，品不到《春江花月夜》的清丽奇幻；但是依旧为凄凉忧伤的《二泉映月》而伤怀，被《霸王别姬》的悲凉豪迈而震撼。。。。他们再现了古代的情感生活，过往的抑郁悲愤，那时的英雄儿女，跨时代的哲理思考，都是那么地多情，那么的发人深省。 中国民族音乐有悠久的历史传统，在四五千年前的原始氏族社会中，就产生了原始的歌舞和歌曲，到殷周奴隶主统治的时代，音乐文化已经相当发达。两千多年的封建社会中，音乐不断得到发展。在中国历史上曾经多次出现音乐文化繁荣昌盛的时代。中国民族音乐是中华民族传统文化的重要组成部分，它反映出中华民族的伟大精神，体现了中华民族的情感、意志、力量、幻想和追求。 中国民族音乐基本上由宫廷音乐、文人音乐、宗教音乐、民间音乐四部分构成。 宫廷音乐：一部分是典制性音乐，如各类祭祀乐、凯歌乐、朝会乐等；另一部分是娱乐性音乐，如各种筵宴乐、行幸乐。这两大部分音乐体现了宫廷贵族文化的两个侧面，一是皇权至上自我形象的塑造，二是贵族阶层的精神享乐。 文人音乐：文人音乐包括古琴音乐与词调音乐，它与书、绘画、诗词共同构成中国传统文化中独特的文人文化，琴、棋、书、画，琴居首位。古琴音乐追求的是超尘脱俗的意境天人合一的思想，“清、幽、淡、远”的浪漫色彩，这种音乐最符合封建社会的“中和”思想，成为古人修身养性，塑造人格的最好手段。 宗教音乐：一、体现了中国宗教信仰的多元化特点，佛教、道教、基督教、萨满教，在各自的文化基础上宗教音乐各有特征； 二、外来的宗教带来的外来音乐和乐器不断与本土音乐的融和； 三、较浓的民间风格，大量的宗教音乐以民间歌曲为基础加以改动使之仪式 化、教仪化。 民间音乐：民间音乐分为民歌、歌舞、说唱、戏曲、器乐，以综合艺术为主。独特的中国传统文化孕育了独特的民族民间音乐的体裁、形式、风格、内容，成为中国民族音乐的基础。 如今古典民族音乐的现状不容乐观，中国历来重视音乐教育，有着悠久的历史传统。但在普通教育中将音乐作为正规课程列入期间，则是清末才开始的。1898年康有为以“请开学校折”上书光绪帝，提出了废八股遍设学校的主张。戊戌政变后，梁启超等人积极提倡在学校中设立乐歌课。此后几年间，新式学堂陆续开设了唱歌课，从而在普通学校中形成了以教授新式歌曲和欧洲音乐常识为主要内容的音乐教育，至此，学堂乐歌成为我国一个新文化即将实行切换的关键时期。1927年采用德国专业音乐教育体制建立的上海国立音乐院，均依照德国音乐院校的课程内容上课，学生们演奏我国传统乐器也是用现代方法演奏。 当时以西方音乐为主体的中国学校音乐教育虽然对建立和发展近代中国音乐文化起到了重大作用，做出了重大贡献，但由于学校中的音乐教育未能把传承中国音乐作为自己的重要职责，因而对多数教育者来说，接受民族音乐文化的传承受到了相当程度的阻隔和影响。虽然在各个方面做了一些有利措施，但从学校音乐教育的整体来看，民族音乐尚未能取得其应有的主体地位。这不仅对民族音乐文化传承是个沉重的打击,而且对今后的民族音乐教育也产生了重大影响。 由于多年来形成的教育体制和观念及外来文化的侵入，使得我国学校音乐教育与民族音乐教育传承之间存在割裂、脱节现象，这就造成了国民对民族音乐的不重视，而使民族音乐文化处于不断滑坡状态。因此，学校教育应该作为民族音乐文化传承的主要渠道，传承民族音乐文化是学校教育的重大历史使命。 民族音乐作为文化的一个重要组成部分，是富有民族特色的各种文化形式的综和，同时又是各民族在长期历史发展过程中创造出来的。音乐文化里包括了多种文化，涉及到人民生活的各个方面。因为各种类型的民族民间音乐是在劳动中创造出来的,它不仅仅是一种音乐现象,其中也体现了各个时代各个地方的文化、民俗、语言、美学观点，同时也寄托了一种文化的情思,其所涵盖的情感和精神是这个民族的灵魂与思想,是这个民族精神的载体。匈牙利音乐家柯达伊这样说过:“民族传统有机的继承,唯有从我们的民间音乐中才能找到。”意思是说,作为文化的民族民间音乐具有继承的价值，民族音乐教育同时也具有爱国主义教育的积极意义。 音乐教育是教育的一部分，民族文化是文化的一部分，而教育和文化是相辅相成的,没有文化的教育是不可行的,没有教育的文化就失去了它的实际存在价值，教育和文化是不可分割的整体。所以，民族音乐传承与学校的音乐教育是分不开的。 毋庸置疑，民族音乐文化在教育中有着举足轻重的作用，从几千年来的中国音乐史及现代的音乐教育现状看，我国音乐要得到真正的发展和提高，必须以中华民族本土音乐为主，如果把西方或者其他流行音乐当成主流，而将民族音乐作为附庸的话，必然会带来民族音乐衰退乃至消亡。学校教育作为传承文化的重要方式，要使民族音乐文化在学校音乐教育中得以很好地传承，就要强调民族音乐教育在音乐教育中的重要性，所以要加强民族音乐教育，改善教育措施是关键。 我国音乐教育的发展存在着一些不容忽视的问题，传统民间音乐的发展现状不容乐观，就像我们的母亲河每年断流一样，民间音乐中的许多品种也出现了断流，濒临绝灭。流行音乐充斥着中小学音乐课堂，民族音乐教育被忽视。专业艺术院校招生和业余器乐考级中，报考西洋乐器和报考民族乐器的人数惊人的悬殊。更令人痛心的是多数学生都不会欣赏民族音乐的美，甚至对教材中的民族音乐持排斥态度。造成这些现象的原因有很多，用历史追朔法分析这些现象不难发现： （一）近二十年来受外来文化、市场经济的影响，各种媒体播放民族音乐的比例较少，流行音乐所占比例较大，加上港台流行音乐的推波助澜，使得很大一部分学生趋之若鹜。致使我们成长起来的青年一代追星族与歌迷越来越多，而民族音乐的爱好者却越来越少。青年学生只知道四大天王、超级女生，对民族音乐知识可以说了解甚少，说不出几种民族乐器的名称、叫不出几位中国民族音乐家的姓名； （二）应试教育长期不重视音乐教育，音乐课的情况无人问津、无人监督、无人指导音乐教学。致使音乐教育无法执行教学大纲，更无法完成规定的内容。音乐教学科研不足，教学观念陈旧，教学模式没有改变，致使学生对音乐课丧失兴趣。 二、发展民族音乐教育的具体措施 长此以往，没有青少年对民族音乐的喜爱和发扬光大，民族音乐将会失去它存在和发展的基础。因此，“发展民族音乐教育，提高民族音乐素养”显得尤为重要。学校责无旁贷地成了弘扬民族音乐文化、振兴民族音乐的主要阵地。在教学中发挥民族音乐教育的优势，陶冶学生情操，增强民族意识，让绚丽璀璨的民族音乐自立于世界之林，乃是当前音乐教育工作的主要任务。怎样落实呢我认为应主要从以下几点抓起： （一）以情感教育为主线，培养学生对民族音乐的深厚感情。通过学习一些带有典型民族风味的歌曲，在掌握和灌输民族音乐知识的同时，让学生明白音乐离不开民歌，民歌是一切音乐创作的源泉的道理，使学生从心理上崇拜民族音乐，提高学生对民族音乐的感情。我国民歌浩若烟海，内蒙民歌的豪放、辽阔，江南民歌的婉转、秀丽，陕北民歌的高亢、奔放，云南民歌的明丽、清新，新疆民歌的活泼、欢快，无不给人以美的享受，从中得到丰富的体验，体味到各民族的风俗民情和鲜明的地域色彩。学生对这些民歌创作根源的追溯，会对民族音乐产生由衷的热爱之情。有了这样美好的感情，就会对学习民族音乐产生浓郁的兴趣，为学校进一步实施民族音乐教育打下浓厚的情感基础。 （二）以民族音乐的欣赏为契机，增强学生的体验能力，体验民族音乐所塑造的意境，开拓学生的艺术视野，提高学生的艺术感受力、鉴赏力和创造力，以学生自我感受为基础，启发学生展开形象的翅膀，令学生将民乐与自我的情感认识不断协调起来，使民乐的欣赏成为学生情感体验的活动，在此活动中令学生自我振奋、自我感动。教师有意识地选择欣赏曲目，做到有浅到深、由表及里地对学生实施教育。只有这样，学生才能怀着由衷的喜悦去吸收民族音乐的营养，接受民族音乐文化的熏陶。 中国民族音乐走向世界很有市场前景，关键是要有好的作品和市场运作。我认为，当前中国民族音乐的发展存在着创作和市场两个问题，需要下大功夫解决。“中国民族音乐的作品不够丰富制约了其自身的发展。由于民族管弦乐的乐器和编制的特性，你不能用西洋的配器方式来写中国民乐作品，而当代作曲家的作品有许多却还是从西洋乐团的配器移植过来的，这样的作品并不适合民族乐团演奏。民族音乐的市场开发问题也十分明显，从我们在欧洲和美国的演出看，实际上民族音乐有市场，但国内缺少推广民族音乐的机制,没有专门的人才和经纪公司向世界各地推广中国民族音乐。” 古典民族音乐的传承也许还要走很远，但是我们必须不停的寻找契机，为民族的文化作出应有的保护，更要作出应有的创新，让更多的人去接受，去认识我们的音乐文化。
筝，是民族乐器中的瑰宝，雅俗共赏的奇葩，它源于秦而盛于唐，已有近三千年的历史，是我国古代最有代表的乐器之一。古筝演奏中有着丰富多彩的音乐变化，形成多层次的表达音乐内涵的音乐线条，这些客观存在的音乐美震撼着听众的心弦。而只有在古筝音乐鉴赏的过程，才能使学生在丰富多彩的音乐美中震撼心弦。此外，鉴赏的环节还将有助于我们形成、影响以及完善自身的审美观。每个演奏家、弹奏者都希望将最好的古筝音乐感觉呈现出来，而古筝鉴赏是让我们在鉴别、对比以及分析的环节上不断提炼好的感觉的手段，也是开展素质教育的重要途径。 一、古筝鉴赏过程的基本特征 很少有谁说他对戏剧和小说一窍不通，但常常听到有人说，“我很喜爱音乐，可就是听不懂音乐”。美国著名作曲家科普兰在《怎样欣赏音乐》一书中这样说：“如果你要更好地理解音乐，再没有比倾听音乐更重要的了。”只要你相信自己的音乐潜能，不断地倾听音乐，你就会越来越多地获得音响美感。同时，要在倾听音乐的前提下主动地体验音乐，这样就会产生你自己的音乐感受和理解。也就是说“聆听”与“主动体验”是古筝音乐鉴赏过程的基本特征。 从古筝鉴赏的角度看，对一首古筝作品的把握首先要依赖听觉，没有听觉体验就没有音乐鉴赏。古筝创作和表演归根结底是以广大古筝鉴赏者为对象的，古筝鉴赏者是古筝音乐创作和表演的接受者和消费者。赏心悦“耳”是音乐艺术的直接目的。也是人们进行音乐活动的第一需要。无论是作曲家的创作还是演奏家的表演，这些活动的价值只有通过鉴赏者的聆听才能得以最终的实现。古筝音乐的美首先为人的听觉所拥有，音响感知是鉴赏音乐的基础。 古筝音乐鉴赏还要感悟筝曲的意境和深邃内涵。如果鉴赏者并不满足于仅仅获得古筝音乐的形式美感，期待获得更深层次的审美愉悦，这就需要在感悟筝曲的意境和深邃内涵上下点功夫。 意境，是艺术家在艺术作品中营造的意象之境界，是艺术家经敏感的心灵感受到的人生、社会、历史、自然等的艺术再现。对于鉴赏者来说，意境不能直接获得，要通过丰富的联想和感悟而得到。不过，绘画、雕塑、摄影等艺术由于有诉诸视觉形象、直观可感的艺术品供鉴赏，所以，鉴赏者往往可以透过作品的具体内容较快感受到意境、内涵。但音乐作品塑造的音乐形象却是看不见摸不着的，仅仅是一些比较抽象的音响组合，这就需要鉴赏者调动丰富的听觉联想，培养“音乐耳朵”。在首先获得一定的音乐形象后，进而进入音乐营造的意境，最终得以深刻理解作品的深邃内涵。 二、古筝音乐鉴赏的重要性 鉴赏是人们观看艺术表演时对各种艺术活动所产生的一种审美活动。而音乐鉴赏则是对音乐这一听觉艺术的审美。音乐鉴赏是一种复杂的审美活动，是一种包括人们对音乐形式美的感知，情感深入体验，想象联想以及创造性思维等不同心理活动融为一体的音乐审美实践活动。通过音乐鉴赏，我们可以获得美的感受，可以陶冶情操。 作为古筝习奏者、弹奏者，其审美能力可以在这种独特的艺术活动过程中培养和熏陶，并得到强化。音乐的鉴赏首先是要对音乐作品声音感性形象也即形式美的接触，然后是在作品形式美的基础上所引起的对音乐内涵的体验、联想等更为复杂的心理活动。比较好、效率高的学习方法是有自己探索的学习。这种学习方法不同于盲目接受、完全听任教师灌输，而是一种较为自觉的方法。那么我们探索性的学习都包括哪些方面呢？拿一首乐曲的学习来讲，我们在学习过程中需要注意演奏技法、技巧，乐曲意境内涵，乐曲的音乐表现等方面。而不能仅仅局限于一纸乐谱，将乐谱上的音符与音乐等同起来。作为弹奏者，我们的任务是把乐谱转化成乐音的流动，转化成活的音乐。 而这单靠勤学苦练还不够，更需要深刻体验、领会乐曲的内涵，在弹奏、练习中不断探索、试验，将某首乐曲所适合的音色、力度等拿捏好。在习奏的过程中，我们有必要加入鉴赏的环节。鉴赏是人们欣赏事物的高层阶段，其中存在着鉴别、对比的环节。 在鉴赏的过程中，我们自身的审美观在其中发挥着重要的作用。此外，鉴赏的环节还将有助于我们形成、影响以及完善自身的审美观。每个演奏家、弹奏者都希望将最好的音乐感觉呈现出来，而鉴赏是让我们在鉴别、对比以及分析的环节上不断提炼好的感觉的重要途径和手段。一个人的弹奏水平、感觉与个人鉴赏的能力有很大关联。一个人审美能力的高低往往直接影响着他对音乐的感受、体验以及表现的到位与否。鉴赏能力高，往往对乐曲的演奏、演绎更生动贴切。 三、鉴赏古筝名曲所表达的音乐内涵 俗话说：“凡操千曲而后晓声，观千剑而后识器。”学习古筝不能仅仅局限于古筝这一门乐器的弹奏方面，更重要的是对自己耳朵的训练和乐感的培养。由此我们需要注意多欣赏优秀的古筝名曲，或者名家名曲。通过欣赏名家的演奏，可以反观自身演奏方面的一些问题，最终有效地提高自身的审美感受力。学习者可以通过鉴赏过程，培养了对音乐艺术鉴赏力，是一种受教育的过程。通过欣赏优秀作品，可以让我们能够较完全地感受到筝乐之美，培养一双具有高度审美意识的耳朵。 鉴赏是不能盲目的选择作品的，每个演奏家都有自己所擅长于表现的一类乐曲，每个古筝流派也都有自己的一些代表人物，我们用来鉴赏和学习的也往往要选择一些具有代表性的和优秀的作品。 如：《渔舟唱晚》整首乐曲极富诗情画意，旋律流畅，先慢后快，先松后紧，情绪层层叠进，生动描绘出了夕阳西照下的湖光山色及渔舟竞归、渔人唱和的怡人境界。 《出水莲》音乐含蓄柔美，清新舒展，韵味无穷。 《高山流水》此曲藉伯牙鼓琴遇知音的故事广泛流传于民间。音乐浑厚深沉，清澈流畅，形象地描绘了巍巍高山，洋洋流水。曲义为展示古筝的特长，提供了充分的天地。从低音到高音，从高音到低音的滚奏手法，惟妙惟肖地托显出涓涓细流、滴滴清泉的奇妙音响，使人仿佛置身于壮丽的大自然美景之中。 《侗族舞曲》此曲表现了侗寨风情，抒发了侗家儿女热爱美好生活的欢乐情绪。 《雪山春晓》主旋律优美，有着藏族风情。 《寒鸦戏水》乐曲充分展现了潮乐的旋律色彩和调性变化特点，在重按滑音的润饰下，显得柔媚动人，别有韵味。 《东海渔歌》 是张燕创作于七十年代的作品。乐曲表现了东海渔民欢乐而又紧张的劳动生活以及他们对新生活的热爱和向往。 《香山射鼓》作者在乐曲的演奏上借鉴了陕西秦筝的技巧并吸收了陕西地方戏曲的韵味使该曲充满了浓郁的地方风味。乐曲表现了空山梵音、虚无缥缈的空灵意境以及人们在山中举行香会时的热闹场面。 《战台风》是在六十年代中期，王昌元有感于上海码头工人与台风顽强搏斗的精神而创作的。 《井冈山上太阳红》根据江西革命歌曲征集小组同名歌曲改编而成，乐曲以轻快、流畅的旋律表达了对祖国山河的热爱和赞美之情。 《草原英雄小姐妹》是《草原英雄小姐妹》电影的主题曲。此曲刻画了蒙古族少女龙梅和玉荣姐妹俩与暴风雪搏斗，保护集体羊群的音乐形象。旋律抒情优美，情景交融，十分感人。 总之，在古筝教学中，应坚持因材施教，开发每一位学生的艺术潜能，培养音乐素养，同时注重通过古筝名曲鉴赏陶冶情操，构建和谐、快乐、健康的学习氛围，激励了学生学习的兴趣，满足了学生对多样化、个性化的艺术教育需求。这也是开展素质教育的重要途径。 希望对你有所帮助。
尽管中国民族音乐与流行音乐之间存在着某些矛盾，但是我们却也能发现它们之间一些微妙的联系。首先，流行歌曲脱胎于民歌。也可以这样理解：民歌是过去的流行音乐，流行歌曲就是今天的民歌。如上世纪八十年代初邓丽君演唱的一些歌曲则是由民间小调为素材创作的歌曲。而在其他的流行歌曲中也有相当的体现。由此可以我们知道，民族音乐凝聚着中华民族的伟大精神和民族艺术的精华，体现了中华民族的意志、力量、智慧和追求，是流行歌曲用之不竭的源泉，流行歌曲只有扎根在民族音乐的土壤里才能获得更为顽强的生命力。其次，民歌借流行歌曲元素焕发生机。民族音乐元素越来越被流行歌手所重视，当周杰伦、陶喆、王力宏的流行音乐里开始引用民族元素，当腾格尔红遍大江南北，当“女子十二乐坊”倾倒海外的时候，一些人发出“民族音乐迎来了春天”的欢呼。也就是说，流行音乐用现在的配器手法和演唱方式从另一方面来表现民歌，让更多人重新认识并喜爱古老民族，也使传统民歌的古老生命力焕发生机。很难说中国民族音乐与流行音乐之间的联系是一种必然，也很难给中国民族音乐和流行音乐的关系一个完整的和正确的定位。中国民族音乐存在了数千年，随着历史的变迁以及各个历史时期人们的意识形态不断的发生变化，民族音乐也随着发生变化和发展，而且一直都在扮演着一个非常重要的角色。它不仅反应了不同历史时期人们的精神面貌，也用音乐这个特殊的方式记载着不同历史时期人们的日常生活和人文背景。可以文说，中国的民族音乐经过几千年的发展，已经形成一个特点比较鲜明的体系。而中国的流行音乐尤其是所谓的“新潮音乐”则可以说是在西方强势文化冲击下的派生物，众多音乐人可以借助这种音乐的形式来表现生活和情感，有时也显得很切近人们的生活和情感世界。从当前来看，我国的民族音乐与流行音乐长期来在很大程度上都处于一种相互争斗、相互排斥的状态，而随着各自的生存空间的扩展需要，它们又不可避免的走到了一起，一种相互依存的关系已经慢慢建。立起来。 Baidu文库当今，中国的流行音乐开始与国际接轨，港、台、内地三地的流行音乐差异日益缩小，在这个时期，古今的碰撞、中外的结合都汇集到一起。但受整个社会大环境的影响，中国的流行音乐从商业上看是繁荣的，但是从文化上看，是贫穷的。而少数民族音乐元素与流行音乐的结合更是一个长期的课题，如何把民族的真正变为世界的、把民族音乐元素巧妙地与流行音乐相结合，还需要广大的音乐人不断尝试、共同努力、共同探索，使我国民族化的流行音乐作品在世界乐坛上独树一帜
民族音乐学家刘九达先生曾说过一段往事：有一次他坐船回四川老家，忽听得船工唱起了号子，便赶紧掏出本子想记下来。可是船工们一见那个阵势忽然都哑了。其中一位老船工说：“那位先生是同我们闹玩，哪有那样阔气的人来学这不三不四的东西哦!”现如今的学者和歌唱家去“采风”或者没遇过这种尴尬，可是说实在，“场面”上的东西我们见得太多。周强在《石工号子》的封面上写道，他的专辑是“学院派与原生态的对话”，相信这是他多年歌唱实践与思索的感悟。所谓“学院派”和“原生态”，它们之间并没有一条天然的不可逾越的鸿沟。有的“原生态”人以为“原汁原味”才是最好，任何对它进行艺术“加工”都是对它的“污染”。而“学院派”又往往被人指责“高高在上”，对业余的民间的东西不屑一顾。其实这都是“鬼不吃蜡烛屎――人做出。”“原生态”无非就是民间的东西，它既不会一成不变，甚至不可以复制。你以为侗族人平日唱的“大歌”与央视演播厅里表演的“大歌”是一样的么？傻！说白了，后者也是对前者的一种“加工”。艺术加工并没那么可怕，“源于生活，高于生活。”永远是艺术的法则。胡松华唱《草原赞歌》以及滕格尔唱《天堂》不都一样经过了“加工”的么？牧民并没指责