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是指在开放性的公共空间中进行的艺术创造与相应的环境设计
公共艺术的核心是艺术的公共性。公共性意味着交往、沟通、强调共同的社会秩序和个人的社会责任。公共艺术的出现不是一种艺术样式，事实上，它可以采用丰富的艺术形式来实现，如建筑、雕塑、壁画、摄影、书法、景观小品、装置艺术、行为艺术、表演艺术、公共设施等。自工业革命以来，人类赖以生存的全球环境出现了深刻的生态危机，打破了生存空间与自然演进的平衡，使人类远离了自然。这时候，人类需要一个载体，把积淀在心灵深处的希冀呐喊出来，公共艺术接受了这个使命。公共雕塑愈来愈受到人们的重视与肯定，许许多多的雕塑家引用公共雕塑来阐述着自己的理想与渴望。 中西方由于历史文化、民族背景等的不同，在公共艺术的创作思维方面有着明显的差异。西方人思维以逻辑分析为主要特征，讲求科学与准确，艺术创作上主要表现为写实、理性；中国人则以宏观的、哲学的角度去认识事物，思维以直观、综合为基本特征，意象思维在艺术创作上影响大。公共艺术对于西方来说由来已久，而对于中国来说，它的提出和起步则比较晚，但在艺术创作思维方面却有着自身独特的优势。本文主要就中西公共艺术的特点作比较，阐述它们各自的特点。 不同的文化历史、民族背景决定了不同的思维方式，西方民族的思维方式是以逻辑分析为主要特征，而在中国，人们的思维方式则以直观综合为基本特征。中西方不同的认知方式深深地影响着各自民族的理论思维和艺术方式，使其沿着不同的路向发展，在艺术创作上，特别是传统艺术的创作，中国表现为“写意”，而西方则表现为“写实”。西方哲学总是关注着世界的本源、主客体的关系以及事物发展变化的趋势等，虽然他们在简单的仪器下的观察和实践缺乏逻辑的连贯性，理性的方式并不系统，但他们的这种直接观察总是弥漫着理性思维的色彩，抽象思辨是西方思维的特征。而中国传统懂得思维方式则以直觉和经验为特征。中国的科学和哲学的各种概念和范畴大多是靠向内思维得到的，是将各种经验现象酝酿体会、融会贯通而提出的，。这些概念的理解与西方的向外思维逻辑演绎所得的不同，这种理解只能意会难以言传，是一种通过想象、联想而达到审美的过程，是向内型思维，就好像对一副书法作品、一幅国画的欣赏，只有向内领会才能领略作者的神韵。 再者，西方文化结构以细节分析居优，中国文化结构则以整体综合见长。所以，中国艺术从宏观的哲学角度去认识物体，是透过现象去表现本质——精神。西方艺术从微光的理性的角度去认识事物，是科学的、准确的，这种思维方式对于中国艺术，尤其是对于中国的佛教雕塑艺术而言，却是狭隘的。中国文化的根深植于大地之中。在艺术创作中，影响最大的是意象思维。倘若说，西方传统的思维方式主要讲究分析、注重普通、偏于抽象的话，中国的意象思维则着重从特殊的、具体的、直观的领域去把握真理。西方人的创作思维是立体的、科学的、准确的、向外型的；中国人的创作思维是线性的、平面的、意象的、向内型的。两种思维倾向不同，在现代公共艺术的运用上可以形成互补，特别是在现代环境雕塑、园林景观方面。向外型思维可以让我们的创作更有形式感，更科学、更准确；向内型思维让我们有限的艺术空间变得更宽广，想象更丰富、更辽阔。 随着经济的全球化、文化的多元化，不同的思维具有不同的特色。我们应极力推崇中国传统的意象思维，它不仅是中国传统文化中不同于西方传统文化的独特思维方式，也是中国传统艺术创作的基本方法。无论是中国古代诗歌对意与象、意与境的追求，还是中国书法、绘画对“意在笔先，画尽意在”的揭示，都显示了其不同于西方传统艺术追求再现、摹仿、写实，而强调象征表现和写意的特征。因而，我们有理由相信，中国传统的文化精神与意象思维，既是中华民族伟大传统的精华，也是打造当代中国公共艺术文化、促进中国公共艺术发展不可忽视的重要因素。正是由于中国的艺术思维模式，才让艺术，特别是公共艺术的空间有了更宽广的领域；正是由于中国艺术创作思维的包容性、整体性，才使我们艺术发展的空间有了更多、更远的可能；正是中国艺术创作思维的非写实性，才让我们有了更多想象的空间，使艺术不致落入写实主义狭窄的窠臼。同时，我们也相信：中国传统的艺术创作思维，一定会在我们的城市雕塑和公共艺术发展中发扬光大，一定会为中国当代的雕塑文化、为世界公共艺术的繁荣做出重要的贡献。
1、公共艺术的主要种类可分为：广场雕塑、街心雕塑、道路雕塑、园林雕塑等。2、线构成型公共艺术是历史性、功用性、表现性等。3、构型特点是：具象性、抽象性、直观性、含蓄性。
公共艺术是干什么的？公共艺术就是公共场合的一种艺术品，它是用来观赏性的
谈及公共艺术，除了圆雕、浮雕、壁画等传统样式，国内的民众似乎很难找到关于这个名词的其他印象。在很多人的眼里，仅城市雕塑大概就可以成为公共艺术的代名词。并且，在此情况下，这些好不容易冠以“公共艺术”大名的作品，一部分以“宏大叙事”和纪念性为主，占据了城市中大大小小的广场；另一部分，则以平民化、通俗化去解构精英艺术的话语霸权，使公共艺术更多的以娱乐、玩赏的寻常状态出现，并使之迅速融入城市的商业、旅游景观之中。 在笔者读到的有关公共艺术的书籍以及本专业的硕士论文当中，许多同仁深感中国当代公共艺术的匮乏与混乱，一致推崇“百分比艺术”这样的公共艺术实施框架。但通过查找和阅读，笔者发现国内公共艺术的文献当中，对立法和实施及视觉审美方面谈得比较多，对介入形式的选择和人文关怀方面谈得比较少。尤其处在今日“图像时代”，在如何让当代艺术介入我们的城市生活的问题上，国内几乎很难找到一本专著。中国当代艺术虽如火如荼，然而仍有自居象牙塔之嫌，与城市公共艺术实际上是脱节的。 此选题是面向创作者的，即讨论在中国城市的有限空间里，如何将当代艺术中的新观念引入公共艺术，拓展公共艺术的介入形式，以及在此之上如何体现人文关怀。 “小品式”是个自造词，用于“公共艺术”一词之前，是笔者在对国内公共艺术概貌有了一定了解之后，对一类形式的公共艺术的暂时性统称。具体特点由两方面组成：一、是指非纪念性、非功能性、非主题性；二、在空间上的占用较小。这类公共艺术是在普通市民完全放松的情况下呈现的，是一种“亲民”的艺术。笔者之所以要谈“小品式”，第一，是因为这种类型的公共艺术不牵涉到过多的功用意义，没有过多意识形态上的约束，给艺术家和公众更大的发挥空间；第二，是因为此类公共艺术在日新月异的中国大城市中鲜有奇葩，往往都有“假”、“大”、“空”的弊病。有些作品大张旗鼓，对空间的要求苛刻，而其结果是使之如同天外来客一样突兀；有些过于个人化，在公共空间很难与大众进行“对话”；有些则过于通俗化，没有艺术的前瞻性。 艺术的介入形式是十分重要的。人们谈论一件公共艺术作品，与谈论博物馆里的一件米开朗基罗的圆雕在情感上应该是有所不同的。与艺术不期而遇所产生的效果远远超过有着事先渲染的参观，对于城市中为生存而奔波的人，那绝对是一种奇妙的体验。尤其于当下的中国，那种从右至左不带标点的竖排文的淡然几乎消逝，城市中充满了“惊叹号”和“下划线”。人们是否需要一种邂逅，一种生活的微微停顿，在没有任何先前提示的情况下来接受艺术家献上的一份礼物，来分享这浪漫的“逗号”与“问号”所带来的灵光？ “人文”是一个内涵极其丰富而又难以确切指陈的概念，“人文”与人的价值、人的尊严、人的独立人格、人的个性、人的生存和生活及其意义、人的理想和人的命运等等密切相关。 “人文思考”从其根基说是一种对存在的抽象玄思。它的根本性观念是从人类的角度来思考人，思考人的存在根基，由此才会有一系列超越性问题，如：人的本性、人的本源、人和大自然的关系、人和神的关系、人和人的关系。因为它把人作为类来思考，所以我们说它的思考是超越具体人伦事功，超越有限存在的。 “人文关怀”就是对上述人文问题的关注与爱护。它是社会文明进步的标志，是人类自觉意识提高的反映。并且，它的内涵并不是一陈不变，而是与时俱进的。 毫无疑问，公共艺术是需要体现人文关怀的。艺术家在某种层面上扮演着一个社会组织者的角色，有能力通过作品，给大众带来精神上的援助，把在“自我疗伤”中的灵魂接到集体中抚慰。然而，如何体现人文关怀？这种对大众需要的满足，在形式上，难道仅仅是低等的，原始的，只顾及一般意义上的“喜闻乐见”吗？笔者认为，绝不是这样。之所以用“人文关怀”而非“物质关怀”或“人文思考”，意味着“精神性”和“主动性”。公共艺术的“公共性”不仅仅在于去“融合”、“折中”或“妥协”，而是在于寻找世界中的“永恒”与“本质”。艺术家应该运用智慧在最大的限制中依然保持艺术的纯粹性而非把它变成妥协的产物。公共艺术应具有引领性，是一种指向，而不是一目了然的结果。 作为创作者，著名环境艺术家关根伸夫曾说到“艺术不是什么特殊的东西，它不只是作为自我表现的手段”。中国当代艺术有强烈的批判性和表现主义倾向，对人文关怀的体现可谓充分而强烈，但它与城市的融合却是一个全新的课题。如何让具有前沿意识的中国当代艺术介入公共空间，让其中人文关怀的雏形融入公共空间，渗透到都市生活，将是十分有意义的话题。 因此，在中国公共艺术发展的背景下，以北京这座城市为重点研究对象，笔者将把一部分功利性较小的公共艺术作品抽离出来，从介入形式和人文关怀的角度，对这一类型的公共艺术作品作以全面的论述。更将公共艺术放入当代艺术的整体中讨论，就此希望给中国现今的公共艺术注入些许新鲜的活力。
心得体会怎么写及范文1、什么是“心得体会"在参与社会生活与社会实践中，人们往往会产生有关某项工作的许多感受和体会，这些感受和体会不一定经过严密的分析和思考，可能只是对这项工作的感性认识和简单的理论分析。用文字的形式把这些心得表达出来，就是“心得体会”。“心得体会”是一种日常应用文体，属于议论文的范畴。一般篇幅可长可短，结构比较简单。2、心得体会的写法心得体会的基本格式大致由以下几个部分组成I、标题心得体会的标题可以采用以下几种形式：在XX活动(或XX工作)中的心得体会，关于XX活动(或XX工作)心得体会(或心得)。如果文章的内容比较丰富，篇幅较长，也可以采用双行标题的形式，大标题用一句精练的语言总结自己的主要心得，小标题是“在XX活动(或XX工作)中的心得体会”，例如：从小处着眼，推陈出新——参加大学生科技创新大赛的心得II、正文这是心得体会的中心部分(1)开头简述所参加的工作(或活动)的基本情况，包括参加活动的原因、时间、地点、所从事的具体工作的过程及结果。(2)主体由于心得体会比较多地倾向于在文章标题下署名，写作日期放在文章最后。3、写作心得体会应注意的问题(1)避免混同心得体会和总结的界限。一般来说，总结是单位或个人在一项工作、一个题结束以后对该工作、该问题所做的全面回顾、分析和研究，力求在一项工作结束后找出有关该工作的经验教训，引出规律性的认识，用以指导今后的工作，它注重认识的客观性、全面性、系统性和深刻性。在表现手法上，在简单叙述事实的基础上较多的采用分析、推理、议论的方式，注重语言的严谨和简洁。心得体会相对来说比较注重在工作、学习、生活以及其他各个方面的主观认识和感受，往往紧抓一两点，充分调动和运用叙述、描写、议论和说明甚至抒情的表达方式，在叙述工作经历的同时，着重介绍自己在工作中的体会和感受。它追求感受的生动性和独特性，而不追求其是否全面和严谨，甚至在有些情况下，可以只论一点，不计其余。(2)实事求是，不虚夸，不作假，不无病呻吟。心得体会应是在实际工作和活动中真实感受的反映，不能扭捏作态，故作高深，更不能虚假浮夸，造成内容的失实。(3)语言简洁，生动。心得体会在运用简洁的语言进行叙述、议论的基础上，可以适当地采用描写、抒情及各种修辞手法，以增强文章的感染力。
对公共艺术的理解可以写一篇几万字的论文。只写1000字有点太少了，建议你上百度搜索进行查阅。
自己的体会。对其了解清楚在详细的介绍比较好。
21世纪是信息的时代，世界文化的多元性和地区文化的个性将是未来公共艺术的主要课题。城市是文化的中心，而城市环境中的公共艺术则是城市文化中的重要组成部分。将公共空间的艺术作品定义为一种特定“空间媒介”，这种空中媒介必然有其艺术的个性，同时，它必须是属于某一个特定场所的特定构筑物或艺术单体，它是整个环境形态中的一个局部，有着自己特定的创作方法和审美原则。表现在以下几个方面：公共艺术作为环境功能机制的一部分，在人文精神和审美效应上应与环境整体相协调，并有着独立的观赏价值；它已成为地域历史文化的延续及精神文化传承的载体，同时与当代的时尚追求，精神生活，经济发展紧密相连，成为视觉的焦点和时代的象征。有标志性，识别性或者能牵动人们的纪念性或宗教情绪；公共艺术可能是无标题的构筑物创作，仅作为场所中的空间媒介，市民参与其中得到放松，学习，沟通，互动等各种生活体验，在完成“空间对话”的同时，还有一定的独立的艺术价值；它既是绿色生态环境中的一部分，又是人们精神与心理安慰的调节剂，同时又拥有一定的艺术价值；公共艺术是公共空间的造型艺术，不仅是指物质概念上的公共，空间上的共享，更具有在精神内涵上“共同拥有”，“共同参与”，“共同分享”的文化特制，体现大众的文化意愿与审美特点，这些决定它们的创作和执行与传统的艺术家的个人创作有不同的功能，方法和规律；事实上，作为纯观赏性的公共艺术品几乎是不可能存在的。公共艺术品的设计前提，是辅助完整的环境形态构成，去实现和传递场所中物与物，人与物，人工环境与自然环境之间的对话关系。公共艺术是城市公共环境的组成部分，它存在于公共空间内，让人们传递着各种信息，包括城市的地域文化，风土人情，民俗民风等社会学，文化学方面的内容，同时也传递出作品本身的表现结构，符号内容，表述方式及形式风格。在长达两千多年的时间里，在法国，意大利，德国等欧洲国家，曾出现过大量罗马式，歌德式。文艺复兴式，巴洛克式建筑。直到19世纪欧洲的大型建筑上都带有装饰性的雕刻。但是在1990年以后，人们开始对只有装饰性雕刻的建筑，表示极大的不满，从而提倡一种在新建筑中，坚决拒绝以往的装饰雕刻的意识。这一意识在20世纪初期，占据着欧洲建筑领域的主流。从罗丹到毕加索，那些近代的雕塑先驱们，在他们初期的创作活动中，已经有了与同时代的，具有代表性的建筑家一起工作的机会，因此大力提倡雕塑与建筑想结合，而这种论调，直到第二次世界大战之后才被人们真正注意到。20世纪80~90年代，公共艺术的热潮也涌进了亚洲的日本。一时间“创造拥有雕塑的新型城市”，建造“城市中的美术馆”“与雕塑一起散步”等等各种提案纷纷出台，引进公共艺术的大型计划，也从全国各地的社会团体中爆发出来。他们主张：通过在城市中放置雕塑，使市民对艺术雕塑有一个广泛和普遍的认识，从日常生活的接触和鉴赏中，丰富和提高整体市民的文化素养。从有关统计数字来看，以上述主张为出发点或为目的而提出类似计划的社会团体，占80%以上。与此同时，还有了以建设省为首，各级政府促进，创造文化景观的支援政策。由此，大小城市一起上阵，不仅有收藏大型世界名作的雕塑公园，还有偏远的小镇车站前的中型公共艺术。结果，一些社会团体的具体责任者，在还没有完全理解本地有没有必要引进公共艺术的同时，就盲目的开展了工作。在挑选评定作品时，由于常常邀请全国美术界的权威人物组成评选委员会评选，审定，久而久之，形成了一种全国各地同类风格的，甚至是同一个雕塑家的作品到处存在的倾向。有人尖刻的指出：“是创造拥有雕塑的城市，还是生产雕塑垃圾？”是公共空间里的公害，还是私有空间里的权威式的个人艺术？公共艺术的公共性，再次引起了人们的思考，特别是得到那些受助于纳税人大力支援的艺术家们的深刻思考。 我国户外艺术（主要指雕塑，壁画等形式）的大量出现于20世纪90年代中期。它显示了逐渐挣脱于50年代以来政治意识形态的纪念性，宣传性，以及80年代以来对艺术（及材质与技术）形式语言的探索，开始迈向社会公共对话与公共批评的文化层面，并少部分的开始注意到户外艺术与地方文化及其生态环境的关系。但值得一提的是50年代大量的壁画也是公共艺术，只是艺术主题都重视历史。作品多数在探索形式语言，而90年代大多都是在模仿。20世纪50~80年代，北京、上海、广州等几大主要城市及江浙等经济较发达的地区，已有一定与市民经济、文化、生活密切相关的公共艺术，其他地方则相对缺少。这些公共艺术的设计虽然也强调艺术的大众化、世俗化，强调与社会现实的联系，强调为工农大众服务的宗旨，然而由于“阶级斗争”的宣传需要，往往弱化和扼杀了它们作为公共领域中美化社会、愉悦心情、陶冶情操的作用。雕塑等景观艺术更多显现出政治斗争为导向的说教，而没有真正成为社会真、善、美的代表，公共空间也没能成为市民自由交流、自我教育、自我完善的场所。上世纪90年代至今，随着城市化进程的加快，新型城市规划以及商业竞争日益加剧，全面快速地影响着城市中人们的生活空间、生活方式和文化追求。公共艺术的增设成为环境空间不可缺少的要素，并受到广泛的重视。街道、社区、广场、商业步行街及城市的各个角落，在与公共艺术的交融中，力求营造出可供市民休闲娱乐的场所，营造出现代与历史对话的空间氛围，营造充满艺术美感的公共空间，发挥它们传承历史、抚慰心灵、凝聚人气、启迪来者的教育意义。使市民的生活、学习等活动更具人性化，使环境空间更生机和活力。这是一个值得肯定的跨越。但是，由于长期受架上艺术和学院教育的影响，艺术家尚热衷与对自我意识下的个人感受和个人经验的表述，而对公共社会的普遍理想与恒久性的文化精神的关切，显得薄弱，与当代本土社会形态和一般大众的生存状态，没有发生密切的关联。在此并不是否定艺术家个人的文化权利及个性的张扬，而是强调艺术家对现实文化整体的关注与对话，包括必要的启迪与警示。与此同时，由于现代社会存在着严重的生态及能源危机，艺术的公共性必将更多的被要求对城市生态环境及公共设施形态的整体规划与合理设计的参入，并显示对人性及其尊严的普遍关切和维护。由于公共艺术不仅仅是把较大尺度的艺术作品展露于可供公共出入的公共空间之中，客观上，它还要求公共艺术具有许多“同制性”较高的社会群体进行对话的可能，并要求以可诉诸大众的艺术语言及展示形态。否则，公共艺术的公共性，及其公共精神的存在便值得怀疑。另一方面，公共艺术并不一定都要求具有观念上或样式的前卫性，它同样可以表达人间恒常的理性与普通情怀，公共艺术拒斥精英的孤芳自赏或对大众的训导。在多层次社会、多元文化的时代，尤是如此。如果说，公共艺术具有较为独特和明显文化价值的话，恰恰是它与它所存在的文化背景一道，被公共大众引申出更为广泛的话题，并载入公共文化生活的视觉记忆的核心之中，而非仅为公众对艺术作品本身的关注。诚然，在一个开放而多元的民主社会中，公共艺术也及易受到来自不同文化取向或政治见解的社群的异议和争论，这已为国外公共艺术的时间所证明。然而，这正是其“公共性”及“公共参与”的真实反映，也正是公共艺术与社会产生双向互动的必然表现。它往往起着培养一个民族的公共意识，锻造市民社会品格及其公共精神的潜在作用。总之，当下中国公共艺术的发展，正待唤起全社会的公共精神和文化良知。公共艺术的发展方向，则首先倡导艺术对公众社会深度的人文的关怀，以及与自然生态环境的长远维护事业相结合，从而逐步建设中国当代社会发展需求的公共艺术形态。只有当社会开始自觉的迈向不可逆转的现代化、城市化及民主化进程时，才有可能谈论公共艺术及其实践这个当代问题。尚若暂且撇开公共艺术所包含的物化形态的特征，而就其具有的文化品格及社会伦理来看，或许“公共精神”便是公共艺术的灵魂了。
。大众化！
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公共艺术设计,就是针对大众的~要结合自己的思想创意,又能让大众认可你的一种能给人带来美感的艺术, 公共空间的设计不仅是目的和结果，也不是设计迎合少数人的标志，而是一个过程，是一个大众参与并不断展现其生活变换的过程 在一个论坛看到这样的话 公共空间的产生是一个新的概念的引入。 公共空间的设计不仅是目的和结果，也不是设计迎合少数人的标志，而是一个过程，是一个大众参与并不断展现其生活变换的过程，新的设计并不仅是新的风格或新的形式，而是指新的内容和创造新的生活方式。 空间从物理形态上的界定可以清晰地分为：占有空间和未占有空间。人们对空间的占有是靠物化的标识来界定的：如堆起的石头刻有标记的界碑等，当然最有效的是建立起构筑物，或干脆建个房子来巩固对空间的占用，这样的物理界定是靠数字和实物等有形而清晰的界定。在相当正常的情况下，空间的合理利用和划分往往是区分公共空间和私人空间的必要手段，理所当然，公共空间对于公众的利益的理解和服务负有特殊的责任，我们追求的是如何使其适应人的各种需求，而不是让公众去适应各种环境。公共空间和私人空间在很大程度上是有机的整体，所以这个问题是偶们学习环境艺术设计的或者是已经成为设计师的永恒的主题！ 培养目标：本专业方向以弘扬手工艺文化为宗旨，注重现代材料与科学技术相结合，培养在公共艺术设计领域，从事空间环境景观设计、城市雕塑艺术设计、壁画艺术设计、装饰饰品设计、旅游工艺品设计的专业开发、工艺设计、艺术创作和教学科研工作的高级装饰艺术人才。
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从传达与交流的角度，我们可以从公共艺术进入到当代艺术中的公共性的讨论。 强调当代艺术中的公共性是为了什么?如果说，当代艺术中的公共性内涵在于其对于现代人对自由与交流的关注，那么我们为什么要关注现代社会中的自由与交流? 我想艺术中的公共性，首先要对“现代性”这一概念加以理解，当代艺术中的公共性与现代性问题直接关联。在哈贝马斯看来，现代性的一个内涵是公民对于自我决定和自我实现的自由。他指出：“我们必须对‘现代性’这一令人难以理解的概念的真实含义予以界定划分。18世纪末，曾经有过这样的一个社会知识和时代，其中预设的模式或者标准都已经分崩离析，鉴于此，置身其中的人只好去发现属于自己的模式或标准，由此看来，‘现代性’首先是一种挑战。它是一种个人自由的表现，即作为科学的自由，作为自我决定的自由，任何观点如果不能被看作是他自己的话，其标准断难获得认同和接受，还有作为自我实现的自由。”「11」将现代性的标准和基础定位于自我决定和自我实现，并且嵌入日常生活中的交流实践，哈贝马斯认为“现代性”并非一个可以任意决定是否取舍的东西，它仍然包含着规范的、令人信服的内涵，同时哈贝马斯也充分意识到现代的社会和经济发展中存在着根植于体制性的、自我生成的危险，需要把握这一过程的内在矛盾和复杂性。 无论是作为对现存社会价值规范的挑战，还是作为对现存社会价值失范的回应，“现代性”并不等于公共性，公共性也并非一味地强调个人对于社会价值规范的破坏与越界。我们也许可以将当代艺术中的现代性概括为现代生活、现代意识、现代艺术形式、现代媒介、现代观念，但无论哪种概括，我们都不能摆脱现代性固有的内在矛盾，即“全球资本主义时代的现代性结构同质化与异质化相互交织、公共性与差异性的相互纠结”。哈贝马斯认为自己并非现代性的卫道士，他充分意识到现代性自身充满矛盾，有其黑暗面。艺术是个人与社会的界面，应该与社会达成交流。在对传统的限制冲击之后，大都市中现代人的无所适从是一种自我的失落，现代人在获得某种自由选择生活方式的权利的同时，也有一个重新构建自我的任务，即在一个日趋自由的现代社会中如何与他人共处和交流。现代性的一个重要成果是对个人主义的承认与发展，个人主义成为社会发展的动力，但个人主义也易于使人沉溺于对政治和公共事务的冷漠，使社会生活整体上趋于平庸化、平面化、公式化。为了完成对公众的现代性意识的培养，当代公共艺术有必要成为一种文化沟通与精神的激励，它表现为对公众想象力的培养和对公众民 主性的培养，前者以艺术家对现代社会各种信息的独特处理方式激发观众对现实生活和个体日常生活经验的联想，后者更加注重培养观众开放、平等的参与意识，使其在当代艺术的接受与参与中获得自我的实现。 当代艺术在今天的发展，已经将艺术观念(如现代性)的提出与思考，作为检验艺术公共性的标识，这种艺术作品的提问能力，检验出当代艺术家对全球文化与自身环境的反思能力。 我们可以大体上从如下不同角度思考当代艺术中的公共性。 一是当代艺术公共性的存在与社会普遍价值理想的关系。艺术是否需要对这一价值理想给予形象的再现和阐释?或是如福柯所认为的，正是通过对普遍性价值的质疑和对不同声音的多元化价值的凸显，当代艺术确立了自身的公共性? 二是当代艺术创作中的公共性，即为了观众的接受和进入，艺术家是否应该受到鼓励，采用更多的流行文化形象和符号，以及流行的表达媒介(如电视、录相、摄影等)吸引观众。而在艺术的表达方式上也应采取更为轻松的、游戏的形式与心态，使艺术展览和公共艺术成为观众以视觉为主的多种感觉的综合性娱乐节日。 三是当代艺术展示中的公共性。无论是作为代表社会主流文化的博物馆或美术馆，还是作为社会文化个体的展览策划人，其所策划或举办的展览基本的出发点都应该面向最广大的市民观众。无论是普及型或是实验型的展示，都要将观众的理解与参与放在第一位，调动一切手段，吸引最多的观众来观看。展示公共性的另一个含义是说艺术作品虽然是艺术家个人情绪与思想的流露宣泄，具有艺术表达的充分自由，但必须考虑与观众的平等交流，艺术家的创作应该尽可能地关注时代、社会最为迫切的问题，关注公众最为关心的领域。 我们提出当代艺术中的公共性问题，是着眼于当代艺术中个性创作的自由与社会公众交流的矛盾，这二者事实上是不可分离的统一体。交流存在于社会之中，但真正的交流却必须产生于艺术家个体的自由创造，如果艺术家不能真实地个性化地表达自我，那么，我们所理解的交流虽然是可行的，但却是不真实的，从而是不可能的。为了真实地面对观众，艺术家必须首先真实地面对自我，从社会和文化的角度反思自我的生存感受与价值观念。 艺术家在当代的存在价值，也许就是通过个人化的行为，表达出一种与社会公众的平等交流，对全球文化传统与价值的共享，以此来抵抗从上而下的意识形态强制，以及由大众文化所形成的流行趣味对个人精神自由的泯灭。当代艺术不应成为少数圈里人的地下艺术，始终处于半明半暗的状态中，这不是面向公众的健康心理。应该寻求各种可能的渠道，以各种可能的方式与社会公众(当然包括政府文化部门)取得沟通与理解。要把当代艺术的健康发展，作为中华民族在现代化过程中先进文化的建设中必不可少的组成部分，同时积极地将其推介到世界文化的对话环境中去。当代艺术中的公共性，也应该包含积极而审慎地推进中国当代艺术体制的日益多元化和民主化进程。 从艺术的公共性来看，艺术家可以将个人生活经历作为艺术表达的主体内容，但这种个人生活却应该是社会与自然密切相关的，而不是彻底的自然主义的日常生活实录。也就是说，当代艺术家对于自己的私人话语，具有自由处理与表现的权利，但一旦进入公共艺术的话语空间,这种私人话语的自由言说权不能膨胀为无视公众反应，任意侵犯观众的权力。事实上，我们有必要区分观看活动中两种不同的感动，即从生理感觉上对观众的刺激和从心灵深处引发观众的思考。通过生理刺激观众激起观众的反感，也许能够使人们对某些“艺术”产生强烈的印象，但并不能确定这些艺术在观众心中持久的存留。按照大卫•霍克尼的说法：“只有真正优秀的艺术才会引起人们的关注，真正受欢迎的作品是能世代相传的作品。有些东西只是昙花一现。”「12」当代艺术的公共性，最重要的内涵是艺术的社会性和艺术的民主性，它首先表现为对一个社会的基本文化价值观和公众人格的应有的尊重，它应该具有对那些无名的广大观众的一片爱心，真实地表现人，深刻地触及带有普遍性的东西。艺术家可以通过自己的作品，揭示公众所忽略的社会生活的重要变化和现代人的精神误区，但这应是自然而然的平等交流和对话，而不是尼采式的居高临下的宣喻以及粗暴的视觉挑畔。日常生活进入艺术，本来就是艺术史的传统，但只有在自然的非强迫性的感受与思考中，才有可能洞见日常生活中所蕴含的异常的意义。艺术创作中的自由，不是无限的自由，而是基于平等对话和尊重他人的自由;而艺术作为现代社会的交流方式，则必须尊重创作者和接受者共同的自由，这或许是我们对当代艺术中的公共性的基本态度。